Crítica de Resurrection (2025): reseña y opinión de la película

La segunda sección de la película se mueve a un contexto de cine negro y de detectives obsesionados con la búsqueda de un macguffin. La influencia se desplaza, evidentemente, hacia el cine de los años 40 con alguna referencia clara a películas como a La dama de Shanghái (1947). Es importante comprender que la historia se mueve entre sueños que, a su vez, funcionan como películas o capítulos con un estilo diverso e inspirado en un contexto cinematográfico concreto, pero que no están plenamente separadas como pueda parecer en un principio, sino que hay un hilo conductor entre ellas: las distintas representaciones del amor. En una historia que se sitúa entre niebla, vías de tren y espejos, el amor se encuentra como algo sugerido tras la locura que hay por “la maleta”. Es un relato que juega dentro de las barreras y límites que hay dentro de la representación queer actual en China, pero que también existían en el cine estadounidense de la época del código Hays (ambiente del que bebe esta segunda historia).

Sobre las cumbres nevadas esperaré a que el sol anuncie el fin del mundo

En este punto, es interesante observar que la película, tras una exploración inicial de la relación entre la historia china y la evolución del medio cinematográfico desde la perspectiva occidental, pasa a explorar dicha relación desde la representación local, es decir, desde la influencia de las diversas generaciones de cineastas chinos.

En esta sección y la siguiente se retrata la relación con una figura paterna perdida y conflictiva, ya sea conocida o desconocida. En la primera de ellas se muestra a un grupo de saqueadores de templos, algo relativamente común en la historia china, pero especialmente vinculado, en este contexto, a la época posrevolución. En dicha historia el delirante se queda por la noche a vigilar el templo, pero es interrumpido por un terrible dolor de muelas. De esta muela surge un espíritu de la amargura que pide ayuda para alcanzar la iluminación y posee la forma del difunto padre del protagonista. Este último, a pesar de haber perdido a su padre, lo reconoce. Por el contrario, en el siguiente capítulo, el cual relata la historia de un timador que adiestra a un huérfano para engañar a un mago, el niño solo tiene recuerdos vagos y promesas de su padre. En ambas historias se explora el conflicto de la propia nación china con su pasado, el cual, como un padre, es imperfecto.

Desde el aspecto cinematográfico, la historia del templo tiene una relación directa con la 4º generación de cineastas chinos, así como la exploración del fantástico en el wu xia de cineastas como King Hu y la espiritualidad del cine de Andréi Tarkovski, cineasta con el que siempre se ha relacionado a Bi Gan. De hecho, más adelante en el filme, en su final, hay algunas referencias más evidentes a filmes como Solaris (1972). Por otro lado, la referencia principal en la historia del estafador y el huérfano es la 5ª generación de cineastas chinos, especialmente Zhang Yimou y Chen Kaige.

En la última sección el estilo cinematográfico se mueve a la clara influencia de la 6ª generación de cineastas chinos con elementos que recuerdan, claramente, al cine de Jia Zhangke y Lou Ye, pero que también, debido a su empleo del plano secuencia y al romanticismo nocturno, recuerda a Largo viaje hacia la noche (2018), anterior filme de Bi Gan. Añadido a esto, hay una clara referencia a L’Atalante (1934). Es interesante como esta historia, en mi opinión la mejor parte del filme, alimenta la narrativa general de Resurrection (2025) mediante el paralelismo significativo. Por un lado, existe un nexo entre el cambio de milenio y el miedo al futuro de toda una generación con la reforma interna del país (algo que explora muy certeramente Jia Zhangke en su cine, especialmente en su última película A la deriva (2024)), así como la relación, ahora invertida, entre monstruo y amante que remite, directamente, con la que tienen la resurrectora y el delirante. Ambos, al final, esperan juntos el amanecer que declare el fin del mundo, el fin de la película y el fin del sueño.

Cae el telón, el tiempo se derrite.

Y, así, bajo el sol de un nuevo día, el mundo ha terminado. Solo queda regresar al lenguaje puro para despedirse. La luz, ahora intensa, hace que se derritan los sueños. La película ha terminado y las luces de la sala se han encendido. Los amantes imposibles tras la conexión de un breve periodo de tiempo regresan a su lugar, pero, mientras uno desaparece en el olvido, el otro, se ha hecho más humano. Es interesante ver cómo dos películas tan distintas como Resurrection (2025) y Chainsaw Man – La película: El arco de Reze (2025) exploran, aunque en diferente medida, la relación entre la humanidad y el cine.

Resurrection (2025) es una película con una gran ambición formal y cinematográfica que consigue explorar, a través de sus diversas secciones, la complicada relación de amor que existe entre China y sus habitantes a través de su historia y la representación de esta mediante el arte de la memoria, el cine. Al final, lo principal de este filme es eso, el amor. Sin duda Resurrection (2025) es un filme único que se enmarca entre lo mejor de esta década cinematográfica y que merece ser analizado con detalle. Es, finalmente, una película que existe por la propia naturaleza del cine. Desde este lado, invito a todos los lectores a que la vean, aunque puedan verse arrollados por el torrente críptico, barroco y creativo de sus preciosas imágenes. Al fin y al cabo, somos delirantes.