¿Qué es el Cine Mudo?

Algunos teóricos consideran “Cine Mudo” desde los inicios del cine hasta 1029. Otros, como el equipo de historiadelcine.es, consideran la época dorada del cine mudo  como un periodo muy fructífero, lleno de innovaciones artísticas y por lo tanto, muy importante en la historia del cine.

Los movimientos cinematográficos de Hollywood Clásico, así como el Impresionismo Francés, el Expresionismo Alemán y el Montaje Soviético comenzaron en este período. Además de estos movimientos, también empezaron a definirse los diferentes estilos y géneros de cine.  

La era de oro del cine mudo fue también muy importante desde el punto de vista técnico: nuevas técnicas de iluminación, el primer plano, el paneo y el montaje invisible (edición al corte de forma que no se notara, siguiendo una continuidad).

 

Charles Chaplin cine mudo
Charles Chaplin

Historia del Cine Mudo

mark sennet cine mudo

Mack Sennet

La calidad visual de las películas mudas era a menudo bastante alta, a diferencia de lo que la mayoría de la gente piensa.  Existe la idea errónea, de que apenas se podían ver estos films por la falta de calidad de la imagen. Esta falta de calidad es actualmente así porque la mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que lleva a su deterioro. 

Además, existen otros casos done las películas mudas que si están bien conservadas pero se reproducen a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, lo que hace que se vean aceleradas. También hay que tener en cuenta los cortes de censura que tuvieron en el pasado. Es por ello que se producen saltos o cortes bruscos, dando la impresión de un montaje deficiente.

Otro error muy extendido por el público general es que los films mudos carecían de color. De hecho, el color era mucho más frecuente en las películas mudas que en las primeras décadas de las películas sonoras. A principios de la década de 1920, aproximadamente el 80% de las películas podían verse en color, generalmente se usaba tonificación de la película (“coloración”), pero también con procesos de color real como el Kinemacolor y el Technicolor. 

Mack Sennet: Slapstick

La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros… Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas…; Este nuevo género cómico surgió de la mano de Mack Sennett que descubrió a Charles Chaplin, Harold Lloyd,  Buster Keaton, Ben Turpin, Langdon… 

Mack Sennet, cuyo verdadero nombre fue Michad Sinnott, fue mago de profesión y nació en Quebec, Canadá, en 1884. Empezó como actor de películas cómicas de D. W. Griffith hasta que fundó la sociedad Keystone y se dedicó a producir, dirigir e interpretar películas de uno y dos actos. Pero serán dos cómicos concretos quienes harán universal el arte de hacer reír en la pantalla: Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad deshumanizada, sus gags han hecho reír a niños y a adultos de diversas generaciones, en todo el mundo. De Charlot es “La Quimera del Oro” (1925) y de Buster Keaton “El maquinista de la General” (1926).

La quimera del oro (1925) Charles Chaplin

El Maquinista de la General (1926) Buster Keaton

Pero el cine cómico como tal no surge en EEUU sino en Europa, concretamente en Francia. Allí se imponía la singular personalidad de Max Linder, considerado unánimemente como el verdadero creador del cómico cinematográfico. Procedente de los teatros de los bulevares. 

Linder trajo una renovación en el film bufo. Anteriormente, este género estaba sólo limitado a dos efectos: el arrojarse tortas a la cara y las persecuciones. Max incorporó, además de esos dos recursos, un tipo de comicidad grotesca de las situaciones, basada en la observación psicológica. Pero la Primera Guerra Mundial troncó su trayectoria cinematográfica cuando se disponía a viajar a EEUU para iniciar su carrera en América. Fue herido en batalla y acabó muriendo en 1925. 

Sennet se dio cuenta de que Max Linder no había aprovechado al máximo las posibilidades de la cámara, sobre todo en lo que se refería a las persecuciones. Entonces, tomándolo como modelo, comenzó la producción de films que se distinguieron pronto por el movimiento frenético de las situaciones, por el empleo de la aceleración, de la cámara lenta, del montaje rápido y de la detención inesperada de la acción. 

fatty arbuckle
Fatty Arbuckle

Pero el bueno de Mack no sólo innovó en ese sentido sino que creó un universo cómico rozando lo absurdo, pero esto no significaba que este universo fuera fantástico. Para lograr verosimilitud en sus guiones, introdujo historias que eran realistas y jamás se alteraba la lógica del relato. 

La característica principal de su cine fue la primacía de la imagen sobre cualquier otro elemento: los pensamientos eran exteriorizados y no se dejaba nada a la imaginación del espectador.  Por ello, sus actores hacían reír más por su aspecto físico que por sus acciones. Ejemplo de ello fue Fatty Arbuckle, el famoso “gordo” del cine mudo, Ben Turpin, que tenía estrabismo  o Mack Swain, el llamativo villano que participaba en las películas de Chaplin.

Por otra parte, contrastando con estos excéntricos personajes, fueron recurrentes personajes femeninos como Mabel Normand, casi siempre actuando como una muchacha dulce e inocente. 

El objetivo principal de Mack Sennet con esta farándula era hacer a sus personajes lo más estúpidos que fuera posible. Para ello les hacía realizar una serie de acciones como volteretas, tortazos, paredes derrumbadas y persecuciones vertiginosas. Por la utilización de estos recursos cómicos, muchas veces tildaron al cine de Sennett como “vulgar”. Pero la contribución que hizo al desarrollo del cine cómico fue enorme. 

Charlot en el Baile (1926) Mack Sennett

Gracias a Mack se llegó al desarrollo pleno de lo que se conocería como estilo slapstick.  Especial  mención deberíamos dar al famoso grupo de policiías. e había convertido en el máximo exponente del cine de destrucción (de sus manos salieron el famoso grupo de policías —los Keystone Cop-, la guerra de tartas, con una acción vertiginosa que dio lugar al estiloslapstick), sus discípulos Harold Lloyd y Charles Chaplin progresaron hacia un cine de mayor interés y efectividad, una línea que progresaría gracias a las aportaciones de Búster Keaton. El cine cómico y la comedia se entrelazan en las películas de estos actores-directores, situándolos en la cumbre el cine que alcanzaron no sólo por sus propios trabajos sino, también, por el éxito popular conseguido en todo el mundo.

Características del Cine Mudo

Intertítulos

En la época del cine mudo, tanto el minutaje como la complejidad de las películas habían aumentado considerablemente. Esto suponía un grave problema para que los espectadores entendieran las acciones que ocurrían en los films mudos. 

Por ello, se utilizaron una serie de intertítulos. La misión de estos intertítulos era la de narrar momentos de difícil comprensión o resaltar diálogos claves de la historia. También, a veces desprendían opiniones o generaban comicidad. Es uno de los elementos más característicos de esta etapa del cine.  

intertitulos cine mudo

Ejemplo de Intertítulos

El diseño de los intertítulos variaba según la película, la temática o el estilo y por la corriente cinematográfica en la que se insertaba. Por ejemplo , El gabinete del Dr. Caligari (1920) se utilizaron intertítulos estilizados según las normas del expresionismo alemán. Los diseñadores de los intertítulos se convirtieron en un nuevo oficio dentro del cine mudo. Normalmente, este profesional se encargaba de crearlos según él percibiera un problema de comprensión de las películas.   

El gabinete del doctor Caligari (1920) Robert Wiene

Música en vivo y otros tipos de acompañamiento sonoro 

Durante las proyecciones de cine mudo casi siempre había la presencia de música en vivo. Esta tradición de música paralela a la proyección venía desde las primeras películas de los hermanos Lumière.  Pero sería Edison el que sentó las bases de que, a ser posible, las películas debían estar acompañadas con una orquesta en vivo. La primera vez se proyectó una película muda con una orquesta en directo fue en 1896 con la primera exposición de cine en los Estados Unidos en el Music Hall de Koster and Bial en la ciudad de Nueva York. 

Napoleón (1927) de Abel Gance

En las grandes salas de cine se diseñó un foso entre la pantalla y las butacas para introducir a la orquesta. La introducción de música en vivo confería a los films un mayor nivel de dramatización, transmisión de emociones, por lo que ayudaba enormemente a la creación de una atmósfera. 

Sin embargo, no en todas las salas de cine tenían el lujo de contar con una orquesta. En sustitución de orquestas , se solía usar a pianistas. Es por ello, que cuando actualmente vemos una película muda le incorporan como banda sonora una partitura de piano. Progresivamente, sobre todo en EEUU, se utilizaban órganos teatrales como el famoso Mighty Wurlitzer. Estos órganos podían imitar sonidos orquestales y efectos como:  trenes, bocinas de coches, pájaros e incluso disparos.  

Las partituras para las primeras películas mudas eran improvisadas o compiladas con música de repertorio clásico o teatral. Sin embargo, una vez que se generalizaron las funciones completas, el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio cinematográfico compilaron música a partir de la música de reproducción fotográfica, que incluía una hoja de inicio con la película. Estas hojas eran a menudo largas, con notas detalladas sobre los efectos y los estados de ánimo a tener en cuenta. A partir de la partitura, en su mayor parte original, compuesta por Joseph Carl Breil para The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación) de D. W. Griffith (1915), se hizo relativamente común que las películas de mayor presupuesto llegaran al teatro de exhibición con partituras originales, especialmente compuestas.15] Sin embargo, las primeras partituras completas designadas habían sido compuestas en 1908, por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guise,[16] y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin. Cuando los organistas o pianistas usaban partituras, todavía podían haber añadido florituras de improvisación para realzar el drama en la pantalla. Incluso cuando no se indicaban efectos especiales en la partitura, si un organista tocaba un órgano de teatro capaz de un efecto sonoro inusual como “caballos galopantes”, se utilizaba en escenas de dramáticas persecuciones a caballo. En el apogeo de la era del cine mudo, el cine era la mayor fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en los Estados Unidos. Sin embargo, la introducción de los “talkies”, junto con el inicio casi simultáneo de la Gran Depresión, fue devastadora para muchos músicos. Varios países idearon otras formas de llevar el sonido a las películas mudas. En el primer cine de Brasil, por ejemplo, había fitas cantatas: operetas filmadas con cantantes que actuaban detrás de la pantalla[17] En Japón, las películas no sólo tenían música en vivo, sino también el benshi, un narrador en vivo que proporcionaba comentarios y voces de personajes. El benshi se convirtió en un elemento central del cine japonés, además de proporcionar traducciones para películas extranjeras (en su mayoría estadounidenses)[18] La popularidad del benshi fue una de las razones por las que el cine mudo persistió hasta bien entrada la década de 1930 en Japón.

Actores del Cine Mudo

buster keaton

Buster Keaton

Buster Keaton

Un discípulo aventajado de Mack Sennet fue Buster Keaton, canadiense también como su maestro, quien se inició muy joven en algunas películas cómicas con Fatty Arbukle. Pero muy pronto Keaton impuso su propia personalidad con la creación de un personaje que lo iba a hacer célebre: la del hombre que, incluso en las más estrafalarias situaciones, no ríe nunca. En sus películas todo el mundo estaba contra él, pero Keaton permanecía impasible, con una expresión melancólica que a menudo lindaba con la franca tristeza.

La hilaridad del público estallaba ante el contraste del rostro sin vida del cómico y la chispeante animación que demostraban los restantes personajes de sus films. Su filosofía del humor se demuestra en esta confesión suya, no exenta de un fondo de amargura: “Después de todo, la película cómica consiste, para el comediante, en hacerse el idiota, y cuanto con más seriedad lo haga, más ridículo será”.

Por una ironía del destino, que parece obedecer, sin embargo, a cierta lógica intrínseca de su personaje, Buster Keaton terminó en un manicomio, víctima de un grave agotamiento nervioso. Aunque reapareció 25 años más tarde en “El Ocaso de una Vida” (1950), título muy a tono con su propia situación- y en “Candilejas” (1952), de Chaplin, ya no era más que una patética sombra de sí mismo. Sin embargo, su pasado glorioso no fue olvidado. Un ejemplo de ello fue que la Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia de 1963 le dedicó una bella retrospectiva, en la que se exhibieron sus mejores películas: “El Ayudante del Carnicero”, “Con la Soga al Cuello” (1923), “Veinte Mil Leguas de Chistes Submarinos” (1924) y “El Conquistador del Oeste” (1925).

One week (1920) Buster Keaton

Charles Chaplin

Por una ironía dESCRIBIR AQUIIIIII

Harold Lloyd: “El hombre mosca”

Por una ironía dESCRIBIR AQUIIIIII

David Wark Griffith

 Charles Chaplin hizo famoso su personaje de “Charlot” gracias a la caracterización que se convertiría con el tiempo en uno de los iconos más recordados. Si ya fueron importantes películas como El vagabundo (1915), El inmigrante (1917) y Armas al hombro (1918), desarrolló sus fundamentales argumentos temáticos —sobre la base de un tono tragicómico- en El chico(1921) y La quimera del oro (1925). Harold Lloyd, por su parte, también después de un dilatado aprendizaje alcanzó su mayor gloria con el desarrollo de “gags” y situaciones muy divertidas en películas como El estudiante novato (1925), El hombre mosca (1926) y Relámpago (1928). Buster Keaton se caracterizó por un rostro inexpresivo (lo que provocó que se le llamara “cara de palo”) y el tener que enfrentarse estoicamente a un mundo que se rebelaba a cada instante ante lo que hiciese. Lo mejor de su trabajo se encuentra en La ley de la hospitalidad(1923), La siete ocasiones (1925), El maquinista de la General (1927) , El cameraman (1928). Además del cine cómico, la industria estadounidense abordó otros temas, dando origen a una serie de líneas de producción que se denominarían géneros. Desde el cine del Oeste (western), con singulares aportaciones de John Ford (El caballo de hierro, 1924; Tres hombres malos, 1926), hasta el cine de aventuras impulsado por Allan Dwan (Robin Hood, 1922; La máscara de hierro, 1929), se pasa por el cine bélico y social de King Vidor (El gran desfile, 1925; Y el mundo marcha, 1928)y William A. Wellman (Alas, 1927), y los melodramas de Frank Borzage (El séptimo cielo, 1927), entre otros muchos, además de las sorprendentes obras de terror interpretadas por Lon Chaney (El jorobado de Nuestra Señora, 1923, de Wallace Worsley; el fantasma de la ópera, 1925, de Rupert Julien), las de los galanes romanticos John Gilbert (Sota, caballo y rey,1923, de John Ford; Su hora, 1924, de King Vidor), Ramón Novarro (Ben- Hur,1925, de Fred Niblo ; El príncipe estudiante, 1927, de Ernst Lubitsch) y Rodolfo Valentino (Los cuatro jinetes del Apocalipsis, 1921, de Rex Ingram; Sangre y arena, 1922, de Fred Niblo; El águila negra, 1925, de Clarence Brown). Fueron unos años importantes para el star-system cinematográfico. El cine estadounidense se benefició a lo largo de estos años de la presencia de numerosos directores y técnicos europeos que decidieron probar fortuna en su industria. Entre los emigrantes más reconocidos de esta época se encontraron los austríacos Erich von Stroheim, muy agudo a la hora de abordar temas sociales con ironía y realismo (Esposas frívolas, 1921; El carrusel de la vida,1922; Avaricia, 1923), y Joseph von Sternberg, quien puso los cimientos de un género típico americano -el cine de gangsters (cine negro)- con la película La ley del hampa (1927). El alemán Ernst Lubitsch da sus primeros pasos hacia un cine mordaz e irónico que consolidará tras la implantación del cine sonoro. El sueco Victor Sjöström dejará su buen hacer en El viento (1928) y el francés Jacques Feyder aprovechará la presencia de Greta Garbo para rodar con la Metro Goldwyn Mayer El beso (1929).

 

En el cine clásico los géneros estaban muy divididos. En los años 20 están los inicios de los géneros cinematográficos y ya hay un lenguaje y hay una industria Mack Sennett es uno de los iniciadores del cine mudo americano, industrializa el cine mudo. Es un descubridor de grandes talentos del cine comico. Tiene una especie de subgénero slapstick comedy. Es un subgénero de la comedia que conseiste en obras breves, caóticas, se basan en persecuciones, choques… Películas de enorme éxito, de gran factura técnica. Interesó al surrealismo europeo, entre otras cosas porque la policía no vencía y eso les chocaba. En los incios del cine no existe Hollywood como aparato propagandístico. Surge por la guerra de las patentes entre Edison que intentaron monopolizar el cine y otros, los que serán los gérmenes de las grandes productoras como Warner, Universal…, que dicen que tienen el mismo derecho de explotar el cine y ganar dinero con el cine porque dicen que tienen aparatos hechos en Europa y tienen el mismo derecho. El cine cómico tiene mucho éxito. Destacan Charles Chaplin y Buster Keaton. Chaplin nació en Londres en el seno de una familia de acotrs judios. Llegó a Estados Unidos y en 1913 Sennett le permitió cubrir la baja de un actor de Keystone. A partir de la creación del personaje de Charlot, Sennett le permitirá trabajar libremente y se iniciará en la dirección. Empieza después a trabajar para Essanay imponiendo su mundo poético personal con elementos como la bella ingenua que enciende el corazón de Charlot o el señor grande y gordo. Coincide con Sennet en el sentido satírico, que esgrime contra las “instituciones respetables”, pero añade además una llamada al amor y a la fraternidad. Todo un catálogo de las miserias del mundo aflora en su filmografía, utiliza el amor como arma. Chaplin es consciente de que la gente se divierte cuando son los ricos los que se llevan la peor parte. Pero la risa no es incompatible con la ternura. Ácido y romántico, perseguirá en sus obras la esperanza de una vida mejor. Características de sus películas: – Tenían un trasfondo social. No eran de temática absurda como las de Keaton. – Crítica al modo de vida americano y a las instituciones. Voluntad de justicia – Utilización certera del lenguaje visual mudo del gag. – Trabajo de efectos especiales que contribuyen a la comicidad. Creó junto a Sennet, Griffith y Mary Pickford la United Artist. A partir de la misma se desarrolla la segunda etapa de su obra, la que más ha trascendido. Películas como La quimera del oro (1925) y El circo (1927). Keaton es un personaje singular, aprovecha el lenguaje del cine mudo y lo utiliza de forma muy certera utilizando el gag. Se le conoció porque era un personaje absurdo. A diferencia de Chaplin que trabajaba con los sentimientos, su personaje era inexpresivo. Crea un humor absurdo que también interesa al surrealismo europeo. Películas como El maquinista de la general (1926), El moderno Sherlock Holmes (1924). Aparecen vanguardias, el cine de vanguardias que pretenden romper con las creaciones artísticas hasta la fecha. Avanzan el lenguaje cinematográfico, buscan un lenguaje nuevo no narrativa, no ficcional, no comercial. En las primeras vanguardias, los primeros años 20, se comienza a ver el cine como arte, surgen las vanguardias (Francia) con ciertos aires “impresionistas”, ya que es más importante para ellos el apartado visual defilm que la misma película. En los primeros años 20, L. Delive se considera como teórico del cine, entinden el cine como arte, antes no se concevía así. Funda el primer cineclub. A. Gance, se le recuerda por la película Napoleón, película muy avanzada para la época. En esta película se retrata la vida de Napoleón. Visualmente es muy atractiva y novedosa. Ideó una pantalla panorámica para proyectar la película. Utiliza el travelling. Desde el punto de vista técnico, la película fue una innovación, aunque comercialmente no tuvo mucho éxito. J. Epstein y M. L’Herk, sus películas tienen mucho que ver con el expresionismo alemán. F. Leger y Man Ray, se caracterizan por sus conexiones con el cubismo y el surrealismo. Man Ray utiliza las solarizaciones, los rayogramas. En Alemania, en la vanguardia más pura, destacan Eggeling, W. Ruthman, H. Ritcher, son pintores abstractos. Pintan sobre fotogramas manchas de color que se transforman. Es el antecedente del videoclip, las figuras se mueven con ritmo visual.

Nacimiento de una nación (1915) D. W. Griffith 

efectos especiales
industria cinematográfica
fritz lang
jardín de roundhay
harold lloyd
gordo y el flaco
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pueblos pequeños
acompañar las proyecciones
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acompañadas por música
película muda
industria del cine
charles chaplin
música en vivo
célebre personaje del cine mudo
David_Wark_Griffith

D. W. Griffith en 1922