Nuevo Hollywood: características, directores y películas más importantes
Desde Historia del cine hemos querido dedicar un artículo en esta ocasión, al denominado “Nuevo Hollywood”. Tras haber dedicado un apartado a hablar sobre la época dorada de Hollywood, veíamos necesario seguir con la etapa que le dio paso y que trajo consigo una bocanada de aire fresco al cine norteamericano de la época. A lo largo de este artículo hablaremos de las características del Nuevo Hollywood y de los directores y películas más importantes que la conformaron, entre otras cosas. Cuando hablamos del Nuevo Hollywood estamos refiriéndonos a un movimiento y a un periodo cinematográfico concreto, que dejó atrás varios de los estándares y elementos que había predominado hasta aquel entonces en la industria del cine norteamericano.
En cierta manera inspirado por la “Nouvelle Vague”, el Nuevo Hollywood que surgió a mediados de la década de los 60, quería romper con el leitmotiv conservador que venía arrastrando Hollywood debido al denominado “Código Hays”. Fue un movimiento impulsado por la nueva horda de jóvenes directores estadounidenses, con ganas de llevar a la pantalla sus propias historias y su particular visión de ver el mundo que les rodeaba.
Hasta aquel entonces, el poder ejercido por los estudios de cine era tremendamente desmedido, dejando poco margen de actuación a los diferentes creadores de la época. Esta corriente nació, en parte, para romper con esa dinámica que había constituido el Hollywood clásico, reclamando un mayor poder hacia los cineastas sobre sus propias obras cinematográficas.
Historia del Nuevo Hollywood
Hay muchas cosas que llevaron a la llegada del Nuevo Hollywood a finales de los 60 y principios de los 70. En una época de cambio cultural como la que se estaba viviendo en Estados Unidos, muchas personas hacían uso de las películas o el simple entretenimiento, para canalizar sus experiencias, o ver una representación de lo que sucedía a su alrededor. Muchos de los directores y actores jóvenes del Nuevo Hollywood ahora se consideran leyendas de Hollywood. Jóvenes cineastas estadounidenses como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian de Palma, Robert Altman, Woody Allen o Arthur Penn, fueron algunos de los protagonistas de esta transición que vivió Hollywood.
Como pasó en Francia con los Truffaut, Godard y compañía, este grupo de cineastas quería romper con la manera de realizar cine que se estaba llevando hasta la fecha. Esto implicaba romper con el estilo, proceso de producción y enfoque narrativo que había seguido Hollywood durante décadas. Uno de los síntomas preocupantes que veían estos directores dentro de la industria, es que ya el fin creativo y artístico del medio se estaba desvaneciendo, al preocuparse más por el redito económico que por el cinematográfico.
Las primeras películas generalmente atribuidas al movimiento del Nuevo Hollywood son Bonnie y Clyde (1967) de Arthur Penn y El graduado (1967) de Mike Nichols. Estas películas ignoraron los tabúes y atrajeron a la juventud, abordando el sexo y la violencia con momentos ahora icónicos en la historia del cine. Mientras la Sra. Robinson intentaba seducir a un joven Dustin Hoffman con esa legendaria toma debajo de las piernas, esta nueva forma de realización cinematográfica estaba fascinando al público y a las nuevas hordas de jóvenes cineastas por igual.
La era del Nuevo Hollywood duró hasta alrededor de 1980, cuando las películas de Hollywood de gran presupuesto comenzaron a volver a dominar el mercado. Es indudable que el surgimiento de este movimiento cinematográfico a lo largo de la década de 1970, alteró el panorama del cine para siempre. Los cineastas continúan inspirándose y basándose en las obras de los autores del Nuevo Hollywood, que produjeron muchas de las obras maestras del séptimo arte.
Características del Nuevo Hollywood
Temáticas
Estas películas se centraron en temas complejos con mensajes moralmente ambiguos, que reflejaban la generación inconformista desilusionada por la Guerra de Vietnam, por la corrupción de Watergate, disgustada con la élite y rica en contemplación. Esto llevó a una reformulación del cine estadounidense, como un medio para mirar críticamente la historia y el futuro del país. Las historias que llenan estas películas no tienen lugar en otras épocas, ni ocurren en un mundo idílico, sino que se centra en temas actuales de la época, tratándolos de una forma crítica.
También se lleva a cabo un cambio en el concepto del héroe protagonista. El protagonista no siempre comete buenas acciones, sino que actúa de un modo, a veces, poco moral. Terminando en la mayoría de los casos en un final fatal, siendo estos personajes mártires del sistema. También es usual encontrar en las bandas sonoras canciones que muestran la realidad de la época. No solo son «canciones protesta» como las de Bob Dylan o Joan Baez, sino también de grupos y estilos que representan también esos años como Cat Stevens, The Doors, Steppenwolf, los Rolling Stones o Simon y Garfunkel.
Malas calles (1973)
Otra forma de rodar
Otro de los elementos que vino con este movimiento, era algo claramente inspirado por la Nouvelle Vague francesa: el rodar en localizaciones reales en vez de en sets cinematográficos. La posibilidad de filmar en exteriores fue posible gracias a los avances en la tecnología cinematográfica, haciendo cada vez cámaras más ligeras. Gracias a cámaras como la Panavision Panaflex, los cineastas podían filmar películas con cámaras de 35 mm en varios lugares de forma libre. La filmación en localizaciones reales, resultó ser más barata y más rápida que durante la época del Hollywood Clásico.
Los directores tenían que aprender rápidamente cuáles serían las localizaciones que resonarían más en el público que acabaría viendo la película. En este aspecto. hubo un marcado contraste entre el realismo del que se mostraba en el Nuevo Hollywood en comparación con el modelo de rodar del cine clásico. Por lo cual, las películas adquirieron un nuevo sentimiento de relación y conexión con el público.
Elementos principales del Nuevo Hollywood:
- Una tendencia a jugar con las formas narrativas, valiéndose de un estilismo propio y rompedor.
- Influencias tomadas del cine de autor que se venía haciendo principalmente en Europa y también en Asia.
- Intentaban salir de lo políticamente correcto o de la austeridad, generando en el espectador cierta incomodidad e incertidumbre por lo que estaba viendo en pantalla.
- Rodajes fuera de los estudios, con un enfoque más realista, rozando a veces la estética del documental.
- Se desmarcaban de la necesidad de desarrollar un desenlace claramente cerrado. En su lugar, buscaron otras maneras para ofrecer otro tipo de experiencias cinematográficas a los espectadores.
Directores destacables del Nuevo Hollywood
Martin Scorsese
Martin Scorsese es uno de los pocos directores del Nuevo Hollywood que ha seguido realizando constantemente largometrajes hasta la fecha. Muchos críticos afirman que es el más hábil y talentoso artísticamente de estos directores, que sigue siendo una figura imprescindible de la cinematografía a día de hoy. Después de la caída del Nuevo Hollywood a fines de la década de los setenta, Scorsese siguió conectado con el mundo del cine independiente y con la industria cinematográfica de Hollywood.
Desde sus inicios como director, se ha mantenido entre la autonomía artística y la demanda comercial. Como Scorsese le llegó a decir en una entrevista a Bernard Weintraub en 1995:
“Mi vocación como cineasta se basa en contar historias personales, honestas y creativas”.
Esto es lo que ha convertido a Scorsese en un icono del cine independiente estadounidense hasta la actualidad. El primer gran éxito de Scorsese fue con la icónica Malas calles (1973), que llamó la atención de la crítica y catapultó la carrera de Robert De Niro y Harvey Keitel. La película mostró el estilo rápido de Scorsese, su aptitud para los dramas de crímenes violentos y su retrato de la ciudad de Nueva York. Todas estas cosas aportaron un realismo a sus películas, que atrajo al público contemporáneo simplemente porque no habían visto nada parecido hasta aquel entonces.
Martin Scorsese en 2010
Más adelante en la década de los setenta, Scorsese sorprendería al mundo con Taxi Driver (1976); película que tocó otra fibra sensible en relación con el movimiento del Nuevo Hollywood. Esta fue una película con un antihéroe en su núcleo, desilusionado con la realidad y cayendo en la locura. Personajes tan complejos y tortuosos nunca antes habían tenido la oportunidad de ser vistos en la pantalla, y el tipo de intenciones violentas del personaje nunca había sido tan explícitamente detalladas como en esta película. Taxi Driver permitió que películas psicológicamente más intensas como Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola o El cazador (1978) de Michael Cimino tuvieran cabida en el Hollywood de aquel entonces.
Brian de Palma
De Palma empezó su andadura como cineasta a finales de los sesenta, creando una pequeña pero significativa marca en la escena independiente estadounidense con pequeños éxitos como Saludos (1968) y Hola, mamá (1970) (ambas protagonizadas por Robert De Niro en sus primeros papeles). En la siguiente década, rápidamente se hizo un nombre como director de thrillers psicológicos y sobrenaturales.
Se puso en el mapa como un nuevo visionario con Hermanas (1973); una especie de homenaje a Hitchcock, pero en la que no tuvo miedo de confiar en su propia estética y sus temas cuando lo necesitaba. La naturaleza en la que De Palma se desenvolvía en lo cinematográfico, llamó la atención de los grandes estudios de Hollywood. Quizás su película más conocida de los años 70 fue Carrie (1976), le otorgó el puesto de maestro indiscutible del thriller psicológico. Esta película supuso una indagación única del ser humano, más allá de ser una excepcional película de terror. De Palma usó sabiamente el éxito de Carrie (1976), mientras experimentaba más en el cine independiente y fue sin duda uno de los grandes directores de esta nueva era de Hollywood.
Posteriormente, acabado esta corriente cinematográfica, se haría un nombre en la historia del cine de gansters y de mafia gracias a Scarface (1983), Los intocables de Eliot Ness (1987) o Atrapado por su pasado (1993).
Trailer de Carrie (1976)
Francis Ford Coppola
Coppola no podía faltar en esta lista de directores del Nuevo Hollywood; probablemente el más brillante, después de Martin Scorsese. El manejo de Coppola para retratar la complejidad humana a través de sus historias y personajes, le aúpa como uno de los grandes referentes de esta época y de la historia del cine en general. No hay nada más que ver El padrino (1972) y El padrino II (1974), para darse cuenta de las problemáticas que el director pretendía abordar desde una posición tremendamente crítica sobre la sociedad norteamericana.
En Coppola no hay blanco o negro, todos los personajes acaban teniendo muchas capas y mostrándose como seres complejos, humanos y en muchos momentos como individuos deplorables. En otros films suyos como La conversación (1974), Coppola siguió mostrando su mirada crítica hacia la sociedad norteamericana; examinando desde el avance tecnológico, la paranoia acrecentada que existía en aquel momento de Guerra Fría.
Cuando el movimiento cinematográfico del Nuevo Hollywood llegaba a su fin, Coppola sorprendió con otra obra maestra, que en este caso hablaría de la Guerra de Vietnam. Apocalypse Now (1979) quizás sea la mejor película de guerra jamás rodada y que más ha influenciado a las generaciones de cineastas posteriores. Coppola fue capaz de capturar completamente la locura y el caos de la Guerra de Vietnam.
La película trataba de presenciar tanto la guerra en sí como el efecto que tuvo en los participantes, llegando a las partes más oscuras del alma humana a medida que se vuelve primitiva, egoísta y arbitraria. Fue un descenso al infierno y la locura, con una producción tan problemática que algunos cuestionan, si la película afectó permanentemente la mentalidad de Coppola como cineasta. Sin embargo, el resultado final habló por si solo y marcó el final de la era del Nuevo Hollywood.
Francis Ford Coppola
Robert Altman
Sería difícil encontrar un director con más variedad y diversidad dentro de su trabajo que Robert Altman. En la década de los setenta, sus películas iban desde la sátira hasta el western y los musicales; siendo todas sus producciones profundamente subversivas, convincentes y absolutamente maravillosas. M.A.S.H. (1970) fue una producción tumultuosa para Altman, en especial con los actores principales Elliot Gould y Donal Sutherland; ya que pidieron que se despidiera al director para seguir trabajando en ella. El resultado final fue una película que trazó un claro paralelismo entre su comedia y la violencia, retrató a los soldados como seres humanos de una manera que pocos lo habían hecho antes y loablemente audaz en sus críticas a los militares.
La siguiente película de Altman fue un western McCabe & Mrs. Miller (1971). No obstante, podemos estar equivocados refiriéndonos a ella por ese género cinematográfico, ya que el propio Altman se refirió a la película reiteradamente como un film ‘anti-occidental’; ya que ignoraba y descartaba muchos tópicos clásicos de dicho género, en favor de una trama impulsada por la emoción y el carácter. Altman fue uno de los directores que más destacó en lo técnico por la manera tan fluida y sin obstáculos que tenía para capturar sus diferentes planos y encuadres.
Durante la década de los setenta, Altman también dirigió películas como Un largo adiós (1973), Ladrones como nosotros (1974), pero quizás la más importante fuera Nashville (1975). Como todas las películas de Altman, Nashville (1975) iba de todo y de nada al mismo tiempo. En Nashville (1975), Altman destaca las relaciones y vidas de dos docenas de personas dentro de la escena de la música folclórica estadounidense, y proporciona un resumen casi completo de la década de los setenta; viendo a los que pierden y ganan, a los que viven y mueren… Altman usó su ingenio como narrador para capturar una serie de emociones, que pocos han podido hacer desde entonces.
Arthur Penn
Después de haber sido persuadido para dirigir Bonnie y Clyde (1967) por el propio Warren Beatty, Penn deslumbró al cine a través de una historia convincente y emotiva sobre unos criminales golpeados por la vida. Capturó la actitud de los jóvenes descontentos en ese momento, destacando el atractivo masivo de la película para el público de la época. Como resultado, se convertiría en un grito de guerra para el movimiento contracultural y atrajo mucha atención, tanto buena como mala.
Las críticas iniciales fueron malas, ya que muchos críticos se sintieron perturbados por el contenido violento de la película y el rápido cambio entre tonos y estilo; quienes disfrutaron de la película la elogiaron exactamente por las mismas razones. Bonnie y Clyde (1967) fue una de las primeras cintas en coser las nociones de amor y violencia de manera tan perfecta; lo que conllevó a que el público se atreviera a simpatizar con sus protagonistas, a pesar de su decadencia moral.
Los paralelismos entre la película de Penn y las películas de la Nouvelle Vague, son más que evidentes; sin Al final de la escapada (1960) no hubiera existido Bonnie y Clyde, eso está claro. Penn pasó a dirigir una serie de películas impresionantes a lo largo de la siguiente década como El restaurante de Alicia (1969), Pequeño gran hombre (1970) o La noche se mueve (1975); películas que le valieron, para ser considerado uno de los directores más reconocidos del Nuevo Hollywood.
Trailer de Bonnie & Clyde (1967)
Woody Allen
Sería injusto decir que Woody Allen era completamente desconocido antes de la ola de Nuevo Hollywood, habiéndose hecho un nombre como comediante y escritor. Pero fue en la década de los setenta cuando Allen encontró su verdadera voz, inspirada en el cine artístico europeo de la época en que escribió, dirigió y protagonizó historias de entrañable relevancia social. Enfatizaron una perspectiva fresca y nueva sobre historias previamente melodramáticas de amor, que trataban entre otras cosas sobre la pérdida y la vida. Hay un antes y un después con Annie Hall (1977). Esta película maravillosamente inteligente y humorística que nunca deja de dar un golpe dramático cuando lo necesita, pero al mismo tiempo rompe la cuarta pared, juega con los conceptos del cine en sí y se ha convertido en una obra de maestra del cine que ha quedado para la posteridad.
Aunque Annie Hall (1977) pueda ser la obra cumbre del director, son también interesantes sus obras previas de los setenta en la que ejercía una comedia más pura. Eran comedias que tiraban de sátira y un humor mordaz, que de algún modo reflejan el espíritu del que se caracterizó el Nuevo Hollywood. Es cierto que ha había cómicos que jugaban con elementos de este tipo como los Hermanos Marx, pero fue Allen quien hizo de esa sátira y del doble sentido una seña cinematográfica reconocible. Esto abrió la puerta a que otros cineastas del estilo, pudieran expresarse con mayor libertad, sin miedo a ser censurados por ello.
Cineastas europeos en el movimiento
Entre los cineastas que tendrían un mayor impacto en el estilo y enfoque del Nuevo Hollywood, serian precisamente cineastas que emigraron a Estados Unidos, tal y como pasó en el cine clásico de Hollywood con los Wilder, Hitchcock y compañía. Uno de los directores que formaron parte de este grupo, fue el británico John Boorman que aterrizó en la industria norteamericana con una de sus obres cumbres, como fue A quemarropa (1967). Boorman habló de este nuevo movimiento que estaba surgiendo en Norte América y la razón que había detrás de que se cediera más poder a los cineastas por parte de los estudios de Hollywood.
“Estaban tan confundidos y tan inseguros sobre qué hacer, que estaban muy dispuestos a ceder el poder a los directores”.
John Boorman
De hecho la razón fundamental por la que cineastas europeos como Boorman desembarcaron en Hollywood, se debía principalmente a que querían hacer un cine a mayor escala que en Europa, sin perder su poder de decisión como directores. Por ejemplo, en A quemarropa (1967), Boorman tuvo la oportunidad hacer uso de una edición elíptica, con una ambigüedad tonal de un uso expresionista del color y la pantalla panorámica; elementos de los que dispuso, debido a la diferencia en relación al presupuesto de las películas en Europa y en Estados Unidos.
Otro de los directores que emigraron a Estados Unidos y que formaron parte de este nuevo movimiento cinematográfico fue el famoso cineasta polaco Roman Polanski. El debut estadounidense de Polanski, se produjo con el estreno de La semilla del diablo (1968). Al contar la historia de una conspiración satánica ambientada en un hotel de Nueva York, su atmósfera amenazadora, paranoia urbana y sentido del humor oscuro aportaron una nueva sensibilidad al género de terror.
Boorman, Polanski, John Schlesinger o Milos Forman, fueron algunos de los cineastas europeos que más aportaron y formaron parte de este Nuevo Hollywood. Trajeron consigo, de su tierra natal, una perspectiva ajena y un enfoque audaz de la técnica cinematográfica. Sus trabajos exploraron las contradicciones de la vida de Estados Unidos, revelando no solo su belleza y vitalidad, sino también la corrupción moral que se encontraba tan a menudo debajo de la superficie.
Tomando el camino opuesto a sus homólogos europeos al mudarse a Inglaterra en 1962, el director estadounidense Stanley Kubrick se había exiliado intencionalmente de las poderosas maquinaciones de Hollywood. A finales de la década de los cincuenta y principios de la del sesenta, Kubrick se había establecido como un cineasta ferozmente independiente con una visión única y un dominio brillante de la técnica.
Su ingenioso drama de atracos The Killing (1956), llamó la atención de la MGM para quien hizo Senderos de gloria (1957). Después de su mala experiencia haciendo Espartaco (1960) se comprometió a no trabajar nunca en otra película sobre la que no tuviera un control absoluto e hizo sus dos próximas películas, Lolita (1962) y ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) en Inglaterra; lejos del control que pudiera tener el estudio de Hollywood sobre él. Mientras realizaba su próxima película 2001: Una odisea del espacio (1968), Kubrick se instaló de forma permanente en Inglaterra.
Películas imprescindibles del Nuevo Hollywood
Bonnie y Clyde (1967)
Cuando en la década de 1960 se pensaba que el género de «gángsteres» estaba muerto, el joven actor por aquel entonces Warren Beatty, estaba interesado en llevar las hazañas de Clyde Barrow y Bonnie Parker a la gran pantalla. Esto también supuso un punto y aparte en la carrera de la actriz Faye Dunaway, que acabó interpretando el papel de Bonnie. Dirigida por Arthur Penn y escrita por David Newman y Robert Benton (con reescrituras de Robert Towne, que pronto sería una figura importante de este período), Bonnie y Clyde fue más allá de los límites prestablecidos de la violencia y la sexualidad en el cine.
Los dos protagonistas eran criminales, pero fueron celebrados como héroes populares en ese momento debido al desdén público por los bancos. Una película a la que se considera como la primera película del Nuevo Hollywood y que se nutrió de la Nouvelle Vague; en especial de la película de Godard, Al final de la escapada (1960).
Trailer de Bonnie & Clyde (1967)
El graduado (1967)
Esta película cuenta la historia de Benjamin Braddock (Dustin Hoffman); un joven que al finalizar su carrera universitaria, se encuentra sin ningún tipo de aspiración vital. Por un lado, sus padres le presionan para que asista a una escuela de posgrado y tenga un prometedor futuro en lo laboral.
Sin embargo, el personaje de Dustin Hoffman carece de ambición alguna en ese sentido, mostrando una despreocupación y falta de interés en lo que su entorno espera de él. Dirigida por Mike Nichols y con la ayuda de la icónica banda sonora realizada por el legendario dúo de folk Simon y Garfunkel, El graduado (1967) reflejó la época tan dura y de incertidumbre que vivían los jóvenes estadounidenses de la época; es decir la presión de prosperar, conseguir un buen trabajo y el de formar una familia.
El padrino (1972)
El aclamado productor de Hollywood Robert Evans, quería llevar la historia de la familia Corleone a la pantalla grande, basada en la famosa novela de Mario Puzo. Originalmente buscó al director italiano Sergio Leone y luego se lo propuso a Peter Bogdanovich, pero ambos rechazaron la propuesta. Francis Ford Coppola se opuso originalmente porque no creía que fuera correcto glorificar la violencia de la mafia, pero acabó por aceptar la propuesta de Evans. Coppola decidió usar la película como una metáfora del capitalismo estadounidense, que fuera más allá de la violencia de su trama.
Una cosa curiosa de esta obra maestra, es que la elección del reparto de Coppola, no fue bien recibida por la Paramount. El entonces desconocido Al Pacino fue elegido como Michael Corleone, mientras que la leyenda de Hollywood, Marlon Brando fue sugerida para Don Vito, a pesar de su mala reputación por no cooperar y ser tremendamente complicado durante los rodajes. Lo que siguió fue una historia épica que se centró en la confianza y la lealtad en lo que respecta al negocio familiar, sin importar cuán inmorales fueran sus acciones. El Padrino (1972) se convirtió en una película que pasaría a la historia del cine, comenzando así una de las trilogías más legendarias del séptimo arte. La película ganó el Oscar a Mejor Película en 1972, pero su secuela El Padrino II (1974) acumuló aún más premios que su predecesora.
Inicio del El Padrino (1972)
Taxi Driver (1976)
La oscura y cruda historia de Martin Scorsese sobre el descenso a los infiernos, de un veterano de Vietnam llamado Travis Bickle (Robert de Niro). La perturbadora y decrepita imagen de la ciudad de Nueva York de la película, resume la naturaleza oscura de este taxista neoyorkino. Sin ninguna virtud a parte de lo aprendido en el cuerpo militar, Bickle trabaja en el turno de noche conduciendo por Manhattan, recogiendo prostitutas, drogadictos y toda clase de pervertidos; un tipo de terapia, para frenar su comportamiento antisocial.
Bickle quiere deshacerse de toda la basura e inmundicia que ha visto, queriendo tomarse la justicia por su mano. Podríamos decir que Bickle es el resultado de los horrores de la guerra de Vietnam; es decir, lo que queda en cada individuo tras haber experimentado tales horrores.
Escrita por Paul Schrader, Taxi Driver (1976) consolidó a Scorsese como el cineasta neoyorquino más prometedor junto a Woody Allen. Taxi Driver (1976) fue el apogeo de la carrera de Scorsese en la década de los setenta e indudablemente fue un antes y después en lo que respecta al cine independiente.
Apocalypse Now (1979)
El rotundo éxito de Francis Ford Coppola con las dos primeras películas de El padrino, marcó el comienzo del fin del período del Nuevo Hollywood. Coppola buscó crear una adaptación cinematográfica de la guerra de Vietnam basada en la novela «Heart of Darkness» de Joseph Conrad. La película es la historia del capitán Benjamin Willard (Martin Sheen), que tiene el encargo de acabar con el deshonesto coronel Walter Kurtz (Marlon Brando) en la jungla de Camboya. Coppola luchó para que la película acabará por ver la luz, pese a todos los retos de producción que supuso. Con un presupuesto inaudito en la carrera del director y un calendario de rodaje prolongado, Apocalypse Now (1979) fue una pesadilla de producción.
Martin Sheen sufrió un ataque cardíaco en el set y a Marlon Brando se le prometió la asombrosa cantidad de $ 3.5 millones por solo unas pocas semanas de trabajo, a pesar de presentarse en el set con sobrepeso y sin preparación. La película generaría ganancias, pero marcó el declive de la reputación de Coppola en Hollywood. No obstante, Apocalypse Now es sin ninguna duda una de las grandes obras maestral de la historia del cine y que por cosas de la vida, supondría el fin de es periodo del cine estadounidense.
Escena de Apocalyse Now (1979)
Referencias
- Historia del Cine: El nuevo Hollywood y el cine moderno. (2013, 7 agosto). Recuperado 26 de abril de 2021, de https://conproyector.blogspot.com/2013/08/historia-del-cine-el-nuevo-hollywood-y.html
- Heckmann, C. (2020, 3 junio). What is New Hollywood? The Revolution of 1960s and ‘70s Hollywood. Recuperado 26 de abril de 2021, de https://www.studiobinder.com/blog/what-is-new-hollywood/
- Dargis, M. (2010, 12 noviembre). ’60s Hollywood, the Rebels and the Studios. Recuperado 26 de abril de 2021, de https://www.nytimes.com/2010/11/14/movies/14dargis.html
- Price, J. (2015, 27 diciembre). The 10 Greatest Directors of The New Hollywood Era. Recuperado 26 de abril de 2021, de http://www.tasteofcinema.com/2015/the-10-greatest-directors-of-the-new-hollywood-era/
Artículo escrito por Dani Jiménez