Top 20 de las mejores películas de anime de la historia

La animación japonesa ha traspasado barreras, llegando a ser uno de los géneros asiáticos más influyentes a nivel mundial. En el anime japonés hay una infinidad de distintos subgéneros, lo que hace que cualquiera pueda encontrar en el basto océano otaku, algo que atraiga su interés. Durante mucho tiempo, se ha considerado a la animación como un entretenimiento audiovisual, exclusivamente para niños. La animación japonesa desmitifico este cliché, creando obras que iban dirigidas desde los más pequeños hasta el público adulto más exigente

La comprensión occidental del término «anime» se refiere específicamente al estilo de animación nacida en Japón a principios del siglo XX, aunque hay características de otros lugares que se inspiran en gran medida en el estilo. A menudo se caracteriza por colores vibrantes, temas fantásticos y personajes muy carismáticos, aunque esta no es una regla estricta. 

Desde Historia del Cine hemos decidido reunir, las que consideramos las 20 mejores películas de anime de la historia. Hay que recalcar que este tipo de artículos son totalmente subjetivos, por lo que no se rigen por certezas, sino por la opinión personal del redactor en cuestión. Tampoco siguen un orden específico, de mejor a peor o a la inversa.

La princesa Mononoke (1997)

Obviamente las obras del Studio Ghibli tienen que estar presentes en esta lista, especialmente las obras dirigidas por el gran Hayao Miyazaki. Pese a contar con innumerables obras maestras, podríamos considerar a La princesa Mononoke (1997), como unas de sus obras más importantes. Cuenta una historia épica ambientada en el Japón medieval de los albores de la Edad del Hierro, donde algunos hombres aún vivían en armonía con la naturaleza, pero otros intentaban domesticarla y explotarla.

No es una historia simplista del bien y del mal, sino la historia de cómo los humanos, los animales del bosque y los dioses de la naturaleza luchan por su parte del nuevo orden emergente. Es una de las películas más rompedoras a nivel visual que se han hecho en la animación japonesa, a la vez que su mensaje es más relevante que nunca en la actualidad.

La trama principal, se basa en el profundo humanismo de Miyazaki, que evita fáciles simplificaciones morales. Hay una escena notable en la que los personajes de San y Ashitaka (que se han enamorado), coinciden en que ninguno de los dos puede realmente llevar la vida del otro, por lo que deben concederse la libertad el uno al otro.

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Fotograma de La princesa Mononoke

Paprika (2006)

Paprika es el último largometraje del visionario director Satoshi Kon, quien falleció a la temprana edad de 46 años. Paprika (2006) fue una de sus obras más influyentes y recordadas, en parte por la complejidad emocional y  los temas extremadamente oscuros que trata en ella. Podríamos considerar a Paprika, como la culminación y la perfección del estilo visual de Satoshi Kon. La película es brillantemente  rompedora y lúdica, llevando acabo escenas de acción demenciales, que nunca podrían llevarse a cabo en la realidad. 

Todos estos elementos de animación, hacen que la película genere una atmósfera de ensueño que quizás sea más cercana a los sueños reales, que se ha visto hasta la fecha. Esta película debería ser un requisito indispensable, para cualquiera que quiera comprender el poder cinematográfico de transportar a su  audiencia a otros mundos. 

También es un filme para cualquiera que no comprenda la magia que la animación puede aportar a una película, cuando la utiliza un maestro como Satoshi Kon. Es una cinta, que todo fan del anime japonés tiene que ver al menos una vez en su vida.

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Fotograma de Paprika

Los niños lobo (2012)

Los niños lobo es una de las historias más bellamente construidas, que nos ha dejado a lo largo de estos últimos años, el gran director japonés Mamoru Hosoda. Los niños lobo (2012) muestra una trama llena de ternura, confusión y frustraciones, por el paso a la adultez de los protagonistas. 

La película es un retrato conmovedor y melancólico de la vida familiar, desde el bullicioso juego de la juventud, hasta las dificultades de la adolescencia. Hosoda captura de manera brillante, las personalidades de los dos niños, particularmente en sus primeros años, ya que constantemente cambian de forma y superan sus límites. 

Trailer de Los niños lobo

Incluso en sus formas animales, hay algo maravillosamente reconocible en su representación. A lo largo de su carrera, Mamoru Hosodo ha sido comparado repetidamente con Hayao Miyazaki, pero esta es la primera vez que podemos decir, que la comparación es meramente justificable. Los niños lobo, es una mejora considerable sobre sus anteriores películas, que ofrece un drama familiar conmovedor y envuelto con un toque mágico y realista. 

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Ghost in the Shell (1995)

Trailer de cuencia de Ghost in the Shell

Ghost in the Shell dirigida por Mamoru Oshii, es una de las mejores películas de anime de la historia y su vez, de las más influyentes. Una cinta que te sumerge en la exploración trascendental y filosófica de la identidad propia, y la pertenencia en un mundo tecnológico en constante evolución. 

La película sigue a Motoko Kusanagi, una agente especial cyborg, mientras persigue a un terrorista que ha estado pirateando los programas de otros cyborgs. Ghost in the Shell (1995) es una película que invita a la reflexión, fascinante e inquietante que retrata el anhelo humano de una identidad autorealizada y el deseo de pertenecer a la vasta armonía del mundo. 

Es una película de ciencia ficción que se destaca por reflejar una parte de la experiencia humana a través de los ojos de una fuente poco probable que dice mucho sobre la complejidad artística de la película. Cualquier fanático del anime o de la ciencia ficción en general, debería echarle un vistazo definitivamente.

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Your name (2016)

Your name es la obra de animación japonesa que ha obtenido un mayor éxito comercial en Japón en los últimos años; donde se convirtió en la cuarta película más taquillera de todos los tiempos y el segundo anime más taquillero, detrás de El viaje de Chihiro (2001). Una fantasía metafísica que funciona como una reflexión sobre la identidad y el amor. 

La historia se desarrolla como una historia de amor atípica, que involucra intercambios corporales y viajes en el tiempo. Combinando géneros tan diversos como el romance adolescente, las películas de desastres naturales y las historias de fantasmas. 

Trailer de Your name

Your name (2016) cubre un vasto lienzo de los innumerables subgéneros, que podemos encontrar en la animación japonesa. Aunque hay momentos en los que la historia pierde un poco de ritmo (sobre todo durante la segunda mitad), la impresión general es de satisfacción y la animación que nos ofrece esta cinta, es un elemento que por sí solo, hace que merezca la pena ver la cinta.

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Akira (1988)

Akira es especial porque no solo la podemos considerar como una de las mejores películas de anime, sino la mejor. Esto se debe, a que fue el primer anime que traspasó fronteras y puso el foco del público occidental en la animación japonesa. Antes de Akira (1988), se había exportado muy poco fuera de Japón que causara sensación en occidente. Sin el éxito de esta película, es posible que se hubieran visto pocas de las obras posteriores en las pantallas estadounidenses. 

Definitivamente nunca se hubiera otorgado un Oscar a una importación japonesa animada, sino hubiera existido Akira. Akira tiene lugar en un  futuro post-apocalíptico, llamado Neo-Tokio en 2019. Ocurre 30 años después del final de la Tercera Guerra Mundial. Neo-Tokyo está llena de luces de neón y rascacielos relucientes. Desde la distancia parece una ciudad brillante, pero si te acercas con más detenimiento,  es una ciudad sucia y desigual con bandas de motociclistas desenfrenadas y abundantes disturbios civiles. 

Debajo de la brillante fachada hay una ciudad dirigida por políticos fascistas corruptos. Los disturbios civiles aumentan, a medida que los combatientes terroristas / independentistas llevan a cabo ataques guerrilleros en la ciudad, en respuesta al brutal uso de la fuerza por parte de la policía y la represión de la libertad de expresión y prensa. Sin duda, es la película de animación que todo el mundo debería visionar, mas allá si eres fan o no del género.

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Fotograma de Akira

Perfect Blue (1997)

Es difícil de creer que este gran anime de Satoshi Kon, se hiciera hace 22 años, ya que sus ideas sobre la influencia y omnipresencia de las redes sociales, siguen siendo relevantes en la actualidad. La película se centra en la joven Mima Kirigoe, cuando deja una popular banda de pop para probar suerte como actriz; no es una transición suave y se vuelve aún más difícil ya que está siendo atacada por un acosador. 

Perfect Blue (1997) es una meditación brutal e inquietante sobre la identidad, la feminidad y la fama. La película logra crear un entorno surrealista y aterrador por medio de una edición creativa, un misterio convincente y personajes realistas. Con todo eso y su toque escalofriante, Perfect Blue (1997) te impregna, dejándote pensando en ella durante días y días. Perfect Blue es intrépida en la búsqueda de su narrativa; muestra escenarios y momentos de detalles explícitos importantes para la película, pero que son casi imperceptibles para el espectador. Definitivamente, una de las mejores películas de anime de la historia.

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Trailer de Perfect Blue

Metrópolis (2001)

Metrópolis del director Rintaro, tiene una de las animaciones más bellas que jamás se han realizado en la animación japonesa. La paleta de colores es muy variada, llena de ricos contrastes; hay un nivel de detalle increíble, los fondos se representan con tanta precisión y cuidado que parecen reales. Son innumerables los pequeños detalles que llenan de vida, el mundo de la trama de esta película. 

La historia se cuenta con enorme energía; la animación es más versátil que la acción en vivo para hacer comprensibles los eventos de acción. Las escenas de la mafia al principio, las explosiones y la destrucción en todo momento tienen una claridad tan potente, que la acción en vivo probablemente disiparía el ritmo frenético que tiene. 

Metrópolis (2001) es una aventura sorprendentemente reflexiva y desafiante, que analiza la naturaleza de la vida y el amor entre sus personajes. Sin duda, uno de los animes más infravalorados, que no se ha llegado apreciar, de la manera en que lo merece.

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Trailer de Metrópolis

El viaje de Chihiro (2001)

Para muchos,  la mejor película de anime de la historia y que por otro lado, ha sido la única en conseguir un Oscar. La historia cuenta la fuerza y perseverancia de una mujer joven llamada Chihiro, la exultante gloria de su huida, la lucha espiritual y el poder redentor que tiene el amor, al que se debe enfrentar, a lo largo del viaje que emprende. La película siendo tan arquetípicamente identificable, no es tanto una reinvención moderna, como una evocación espiritual de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. 

Es una odisea de la infancia, en un mundo que se siente familiar y extraño al mismo tiempo. La imagen de Chihiro, habiendo descubierto a sus padres transformados en cerdos, corriendo frenéticamente por las calles mientras la ciudad que la rodea cobra vida mientras las luces parpadean y los espíritus se elevan de la tierra, es una de las escenas más icónicas de la cinematografía moderna. 

El viaje de Chihiro (2001) de Hayao Miyazaki, es una clase magistral de narración, que crea un mundo completamente nuevo y fascinante de personajes contemplativos.  La película de Miyazaki que está en la cúspide de su carrera, junto a La princesa Mononoke (1997).

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El viaje de chihiro

Fotograma de El viaje de Chihiro

Tokyo Godfathers (2003)

Tokyo Godfathers muestra una historia muy genuina, que está protagonizada por tres personajes principales: Gin, un padre arruinado, la adolescente fugitiva Miyuki y la ex drag queen Hana. Este trío tan dispar, decide que depende de ellos buscar al bebé desparecido de Hanna. A través de este viaje, aprendemos más sobre cada personaje y cómo llegaron a estar en esa situación de sus vidas actuales. 

La película tiene algunos giros y vueltas excelentes, que realmente llegan a sorprender al espectador. La animación de la película, aunque a menudo es sombría, es absolutamente impresionante. El estilo artístico de Kon es incomparable y es un placer verlo en la dirección de otra de sus obras maestras. 

Reseña sobre la película

Encantadora y dulce, Tokyo Godfathers (2003) es una película grandilocuente, tanto visual como emocionalmente. En cambio, está repleta de escenas de dificultad y diversión que se sienten aún más emocionales dada la época del año en la que se ambienta la cinta. Kon logra equilibrar bien el tono de la película con la emoción, y nunca se siente demasiado deprimente o cómica.

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El niño y la bestia (2015)

En El niño y la bestia, un joven fugitivo llamado Ren, pasa del mundo que conocemos en la vida real, a un mundo de bestias. En este mundo inhóspito, el protagonista se convertirá en el aprendiz de un maestro gruñón parecido a un oso llamado Kumatetsu. Muchas batallas físicas y emocionales se librarán durante las dos horas de metraje. La animación es quizás el mayor atractivo de la película. Se remonta a los diseños clásicos de anime y manga de antaño, pero también llega a resultar muy vanguardista dicha animación. 

Los fondos parecen pinturas al óleo en el mundo de las bestias o dibujos fotorrealistas en el mundo humano. Las animaciones de los personajes son extravagantes, fluidas y animadas, aunque las multitudes de fondo dejan algo que desear. Las escenas de lucha hacen de El niño y la bestia (2015) una visualización cinematográfica esencial, ya que algunas de las imágenes más surrealistas son sublimemente impresionantes; como una enorme ballena con colmillos hecha de luz azul, que se zambulle en el cemento de una calle de Tokio.

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Trailer de El niño y la bestia

El himno del corazón (2015)

Esta es una película sobre corazones secretos y juventud ardiente, llena de personajes que no pueden decir lo que sienten y resaltados por momentos de atronadora catarsis emocional. Si alguien pudiera llevar a cabo una historia como esta, sería este equipo, reuniendo al escritor, el director Tatsuyuki Nagai e incluso al diseñador de personajes de Anohana y Toradora. El himno del corazón (2015), también se ve impulsada significativamente por sus fortalezas estéticas. 

Los diseños de los personajes son muy expresivos y, aunque la animación no tiene tanta personalidad como cabría esperar en un largometraje, está a la altura de la tarea de transmitir la personalidad de la protagonista en su totalidad, a través del lenguaje corporal. Los movimientos de la protagonista, actúan como un contrapunto constante a su silencio, demostrando a la chica apasionada y casi hiperactivamente emocional, escondida por la maldición que esconde. 

La música es quizás la mayor fortaleza de la película, apropiada para una película sobre el poder de la música, para transmitir la verdad emocional. Una combinación de pistas musicales clásicas y escénicas componen la banda sonora de la obra de la clase, y la música de fondo está repleta de hermosas baladas y canciones populares japonesas.

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Nausicaä del Valle del Viento (1984)

Miyazaki escribió el manga homónimo y dirigió este anime que incluía una serie de características que más tarde lo harían mundialmente famoso. Sus mensajes contra la guerra y contra el capitalismo, son las más obvias. Esto se puede reflejar en las secuencias donde las tropas del bando enemigo, usan al Guerrero Gigante para quemar la jungla tóxica, sólo para ser asaltados por miles de Ohmios que traen la destrucción y muerte a los habitantes del valle. 

El pacifismo de la película, también se ejemplifica en la última escena donde se revive a Nausicaa, dando fin al conflicto. Una secuencia que presenta otro de los rasgos de Miyazaki, el optimismo. El ecologismo, también se presenta con bastante elocuencia. Miyazaki está desilusionado con el trato del ser humano hacia la naturaleza, ya que la considera un lugar que también refleja el poder, como es el caso de la jungla tóxica de la película. 

De esa manera, destaca los beneficios que la humanidad puede obtener al coexistir con la naturaleza, pero al mismo tiempo, presenta un duro mensaje ecológico: si la gente decide ir en contra de la naturaleza, ella se pondrá en contra de ellos.

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Trailer de Nausicaä del Valle del Viento

Porco Rosso (1992)

Aparte del personaje principal, hay pocos o ningún elemento mágico en Porco Rosso de Hayao Miyazaki; algo que sorprende viniendo de dicho director. Algunos podrían ver esto como una gran desviación de los elementos de fantasía usualmente míticos y densos de sus otras películas, pero para su propio interés, esto le brinda a Miyazaki la oportunidad de encontrar lo mágico en lo que de otro modo sería mundano, y resaltar el asombro en nuestra propia realidad. 

Sin duda, es una de las películas más personales de Miyazaki, y mucho más dirigida a un público adulto, pero también muy accesible para los niños. El período en el que se ambienta, es la década de 1930. El personaje principal es un hombre con cara de cerdo que se hacía llamar «Marco Pagot» cuando era un as de la aviación, durante la Primera Guerra Mundial, antes de que una maldición lo transformara. Ahora, se gana la vida como cazarrecompensas, volando su avión sobre el mar Adriático capturando piratas.

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Curiosidades de Porco Rosso

Hiroshima (1983)

Hiroshima del director Mori Masaki es un testimonio del evento trágico ocurrido en 1945. Esta película, describe la lucha de un niño por sobrevivir después de presenciar cómo sus amigos y familiares se desintegraron horriblemente por la fuerza indiscriminada de un impacto nuclear. La adaptación de Mori Masaki toma el original de Nakazawa y le da vida en la pantalla, ofreciendo una instantánea desgarradora de uno de los casos más horribles de aniquilación masiva de la historia. 

La fatídica escena en la que se detona la bomba sobre Hiroshima es impresionante y desgarradora, ya que la casa del protagonista de seis años, es golpeada por una onda de choque de poder devastador, antes de hundirse en una columna de fuego atómico. La película es en general, una historia humana de resistencia y obstinada esperanza frente a la aniquilación, y también como un recordatorio aleccionador de los costes de una guerra incesante y del precio que tenemos que pagar como sociedad.

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Mi vecino Totoro (1988)

¿Qué tiene Mi vecino Totoro de Hayao Miyazaki que hace que sea una experiencia tan agradable e inmersiva? A diferencia de casi cualquier otra película animada, Mi vecino Totoro se contenta con dramatizar el momento, en lugar de intentar contar una historia tradicional. La cinta está construida desde la perspectiva de dos niñas. Miyazaki,  propone brindar al público, ese aspecto mágico y maravilloso de la infancia, donde la fantasía y la realidad se entremezclan. Ningún elemento en Mi vecino Totoro (1988),  está destinado a asustar o poner nerviosos a los espectadores. 

Las emociones de la película, surgen naturalmente a través de las circunstancias. Mi vecino Totoro, no solo es la película más icónica de Miyazaki hasta la fecha, también es una película familiar casi perfecta que logra destilar la esencia del capricho de la infancia en su estado más puro. La película tiene una especie de atractivo atemporal sobre sí misma, desarmando al público de sus cinismos y sospechas con hermosos escenarios, personajes empáticos y una banda sonora realmente hermosa. Sin duda, una de las mejores películas de anime de la historia.

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Mi vecino totoro anime

Fotograma del filme

Millennium Actress (2001)

La segunda película de Satoshi KonMillennium Actress, se basa en  temas  previamente explorados en su debut Perfect Blue (1997). En lugar de hacerlo a través de una modelo, el director lo hace mediante una especie de cuento de hadas meta-ficcional. La película está inspirada en las vidas de Setsuko Hara y Hideko Takamine, dos de las principales estrellas japonesas de principios de siglo. Millennium Actress sigue la historia de Chiyoko Fujiwara, una septuagenaria solitaria que cuenta la historia detrás de su ilustre carrera como actriz de cine, cuando un par de entrevistadores deseosos de filmar un documental la acechan. 

Uno de los motivos característicos de Kon como director es la mutabilidad de la realidad y la fantasía, explorando cómo estos dos elementos  se unen constantemente, creando obras que hablan de la multiplicidad de la experiencia humana. Millennium Actress (2001) es un excelente ejemplo de esto, con la presentación de la película constantemente asaltando la cuarta pared, mezclando hechos reales y su propio estilo cinematográfico.

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Escena de la película de anime

Tekkonkinkreet (2006)

Basado en el manga clásico de culto de Taiyo Matsumoto, Tekkonkinkreet es un hito en la animación japonesa no solo por su extensa animación híbrida en 3D y 2D, sino también por ser la primera película importante de anime dirigida por un director no japonés, el estadounidense Michael Arias. Tekkonkinkreet (2006) sigue las historias de dos ladrones huérfanos y luchadores callejeros, que viven en una zona metropolitana conocida como Treasure Town. Cuando un pequeño ejército de desarrolladores de tierras extraterrestres se muda a la ciudad para destruir las viviendas de bajos ingresos en la ciudad y sus alrededores, los hermanos intentan defender su territorio y contraatacar. 

Una película que indaga en los paisajes urbanos de Hong Kong.  Treasure Town es casi un personaje en sí mismo, una carta de amor al caos único tan propio de la metrópolis. Tekkonkinkreet es una historia complicada y convincente de amor, en medio de un mundo en constante derrumbe y remodelación.

Escena de la película

El viento se levanta (2013)

De todos los motivos más persistentes de Miyazaki, no hay ninguno más coherente en el cuerpo de su obra, que el de la representación del vuelo. Por lo tanto, no es de extrañar que en El viento se levanta, se enfocara directamente en representar la vida del ingeniero de aviación japonés Jiro Horikoshi, y el complicado legado que sus creaciones llegan a relacionarse, no solo con la identidad cultural japonesa, sino también a nivel personal con el mismo director

El viento se levanta (2013), es nada menos que el testimonio artístico final de Miyazaki sobre la capacidad paradójica de la humanidad, tanto para el acto redentor de la creación, como para la persecución obstinada de la autodestrucción. A pesar de la aceptación de la gente del papel de Ghibli al representar la guerra con elementos de ficción, la película generó cierta controversia, al ofrecer un protagonista que llega a diseñar aviones de guerra durante la Segunda Guerra Mundial.

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Summer Wars (2009)

Summer Wars es la historia de Kenji Koiso, un prodigio matemático tímido y sin pretensiones que trabaja como asistente administrativo de OZ, una red digital masiva que ha suplantado a internet como el principal sistema de conexión en todo el mundo. La trama principal se inicia cuando el avatar OZ de Kenji es secuestrado por un virus informático inteligente, empeñado en lanzar al planeta entero al caos. 

Esta película de anime significó la llegada oficial de Mamoru Hosoda al olimpo de la animación japonesa. Es una mezcla casi perfecta de sátira social y ciencia ficción, a la vez  que oportuna y atemporal. Está inspirada visualmente en la tradición japonesa. Pero por otro lado, hace para los “frikis” de la informática y las matemáticas, lo que hizo Porco Rosso de Miyazaki para los pilotos de combate; haciendo que su mundo oculto sea accesible a los espectadores y convirtiendo sus talentos en superpoderes. Summer Wars es una película absolutamente hermosa, que es accesible para el amplio público, tanto para fanáticos como no fanáticos del anime. Tiene un encanto que atraerá a personas de todo tipo.

Trailer del anime

  • A modo de conclusión

Las veinte películas que hemos ido analizando brevemente, solo son una pequeña parte del gran catálogo de obras de animación japonesas que hay a nuestra disposición. Un artículo de estas características, sirve meramente de manera simbólica; ya que hay muchas otras películas que merecen ser nombradas, y concederles la importancia que se merecen. Las siguientes películas de anime que vamos a nombrar, son las que consideramos merecedoras de ser nombradas, y que se han quedado cerca de entrar en la lista definitiva: 

  • El cuento de la princesa Kaguya (2013)
  • A Silent Voice (2016),
  • Ponyo en el acantilado (2008),
  • Mirai, mi hermana pequeña (2018),
  • El castillo ambulante (2004),
  • Ninja Scroll (1993),
  • The End of Evangelion (1997),
  • La tumba de las luciérnagas (1988),
  • El jardín de las palabras (2013)
  • El recuerdo de Marnie (2014)
  • La chica que saltaba a través del tiempo (2006)

Entre muchas otras. Animamos a nuestros lectores, que indaguen por su cuenta en el vasto mundo de la animación japonesa, partiendo de sus gustos, para poder encontrar las obras que más les puedan interesar a nivel personal.

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