Técnicas de animación en el cine: principales tipos
Las técnicas de animación se han utilizado desde hace mucho tiempo para expresar cualquier idea o historia. A partir de distintos medios inanimados, estos se capturan de manera secuencial para dar sensación de movimiento. Se puede decir que ese efecto de movimiento se produce gracias a un fenómeno llamado persistencia retiniana y en el que una imagen visualizada por una persona permanece en la retina humana una décima de segundo más desde que desaparece, por lo que nuestro cerebro superpone las imágenes vistas, haciendo que se perciba un efecto de continuidad.
Actualmente existe gran cantidad de técnicas de animación en el cine y en los diferentes medios audiovisuales. A medida que va evolucionando los ámbitos tecnológicos y creativos, se idean nuevos métodos y se dejan de un lado otros. En este artículo veremos cuáles son muchas de estas técnicas que en el ámbito audiovisual se utilizan dependiendo de factores como el presupuesto, la creatividad y la tecnología optados por los estudios o autores independientes.
¿Qué es una técnica de animación?
Una técnica de animación consiste en una representación de un objeto o espacio a partir de diferentes características visuales consecuentes de la intención e innovación tecnológica y creativa del autor. Hasta ahora, en el cine, televisión, apps, juegos y más medios, hemos podido visualizar diferentes técnicas que varían dependiendo de todos estos elementos y aquí las vamos a explicar.
¿Cuáles son algunas técnicas de animación?
Dibujo animado
Son las animaciones en la que se crean figuras planas en dos dimensiones. Aparatos como el taumatropo, fenaquistiscopio y praxinoscopio constituyeron los antecedentes de las imágenes animadas durante los inicios del cine, dando la ilusión la sensación de movimiento con imágenes fijas superpuestas. No se tienen datos específicos del primer proyecto de animación de la historia, aunque se reconocen a los cineastas Stuart Blackton (EE. UU.), ilustrador y periodista; Segundo de Chomón (España) y Émile Cohl (Francia), dibujante de cómics.
Para imitar un personaje u objeto real deben mantener cierta estética y verosimilitud, sin embargo, la característica de sus formas 2D se da por la falta de profundidad. Algunas veces se proporcionan sombras para simular esta cualidad. Para la animación final, generalmente se sigue un storyboard o guion gráfico que consiste en una serie de dibujos con poses clave. Posteriormente, se hace un animatic que es la unión de esos planos hechos en el guion gráfico, pero aportándole movimiento.
Se lleva a un layout y finalmente se anima. La animación 2D se solía realizar con transparencias, hoy en día algunos pasos se hacen generalmente de forma digital.
Ejemplo de dibujo animado
Los dibujos animados 2D se conocen como “tradicionales”, ya que son los más reconocidos en la cultura popular y en sus inicios utilizaban métodos muy laboriosos y obsoletos. Asimismo, se iban elaborando algunas reglas o pautas para mejorar la calidad de las animaciones. Para proporcionar más naturalidad a las animaciones, Frank Thomas y Ollie Johnston recopilaron los 12 principios de la animación en el libro The Illusion of Life: Disney Animation de 1981.
Se presentaban unas recomendaciones de los animadores de Disney en el siglo XX, como estirar extremidades, maneras de dibujar, entre otras. Hoy en día se siguen en la mayoría de las ocasiones estos principios, especialmente si se quiere dar una estética cartoon clásica. Es posible utilizarlos también en las otras técnicas de animación que veremos. Un elemento importante que mencionar es el frame rate o fotogramas por segundo (fps). Se refiere a la velocidad en la que las imágenes que se muestran han sido capturadas. Es decir, si un vídeo se captura y se reproduce a 24 fps, eso significa que cada segundo de vídeo muestra 24 imágenes fijas distintas.
Dependiendo de los fps, la experiencia visual variará. Para cine se suele utilizar 24 fps. A su vez, 30 fps se aplican en televisión, se puede ver levemente mayor detalle; de 60 fps en adelante sirve para grabaciones con mucho movimiento, por ejemplo, en videojuegos. En animación se pueden aplicar 24 fps, eso quiere decir 24 dibujos por segundo (animar en “unos»); hacer esto crea un efecto de fluidez que algunas veces es necesario. Sin embargo, no siempre se necesita tanta fluidez y por eso se hacen 12 dibujos (animar en “doses”) y se ajustan a un segundo, esto es más común porque además de que ahorra trabajo, hace que las acciones no sean tan detalladas y, de esta forma, llegan a ser más naturales.
Stop motion
Se le da vida a los objetos o personajes a partir de materiales físicos como papel, plastilina, comida… Generalmente, se coloca una figura en un espacio y se va moviendo, capturando cada imagen con el objetivo de que el resultado final sea la recopilación de estas representando el “movimiento” del sujeto. Existen numerosas maneras de realizar una pieza audiovisual de stop motion, incluyendo las formas híbridas y novedosas. Algunas variantes son:
- Cut-out: esta forma de stop motion se produce mediante recortes de papel, fotografías, cartulina, tela, etc. Si son personajes, estos se unen con algún material como goma de pegar, costuras, chinchetas y cualquiera que permita simular articulaciones. Una de las primeras producciones registradas realizadas con cut out es Humorous Phases of Funny Faces de 1906. Hoy en día no es una técnica muy popular. Existe también una manera de imitar esta técnica con efectos de herramientas digitales como After Effects, en donde las figuras planas dan sensación de dos dimensiones, como el papel.
Humorous Phases of Funny Faces (1906)
- Pixilación: se experimenta con personas. Estas posan y cada posición representa un fotograma o frame. A principios del siglo XX se empezó a aplicar esta técnica. Pero se popularizó por Norman McLaren con Vecinos (1952).
Vecinos (1952)
- Plastimación o clay animation: en esta variante se utilizan materiales maleables como la plastilina o arcilla. Probablemente es la técnica más conocida de stop motion. Uno de los pioneros fue Ralph Wolfe. Cada movimiento de los personajes u objetos es capturado de manera que al unir las imágenes se les otorgue sensación de movimiento y desplazamiento.
Un método de plastimación es el strata-cut o de corte de estratos, en el que las figuras de plastilina se cortan o, mejor dicho, se rebanan poco a poco y cada cambio se captura. Uno de los artistas actuales que utiliza esta técnica es Kevin Parry. Pulsa aquí para ver uno de sus vídeos
Plasticación
- Brickfilm: esta categoría es muy específica y se refiere a cualquier stop motion realizado mediante piezas de LEGO o piezas con forma de ladrillo similares. Se incluyen también las figuras creadas por LEGO y cualquier otra empresa que fabrique figuras parecidas. El primer brickfilm registrado es En rejse til Månen (Viaje a la Luna), de 1973 y creador por Lars y Henrik Hassing. Existen numerosos brickfilms en internet, por ejemplo, en YouTube. Algunas veces, los autores le agregan efectos visuales complementarios de manera digital.
Brickfilm
- Transparencias: a partir de acetatos o láminas de plástico transparente se realizan dibujos y formas. Se puede dibujar, colorear, calcar y borrar. Además, se suele superponer sobre fondos para que los personajes “interactúen”.
- Go motion: la diferencia propiamente dicha con el stop motion tradicional es que en vez de fotografiar las figuras estando totalmente inmóviles, se mueven ligeramente al hacer la foto con el objetivo de que, al capturar las imágenes, las figuras posean cierto desenfoque o motion blur debido al movimiento. El go motion más conocido es el de Star Wars Episodio V (1980).
Rotoscopia
Animación basada en dibujar sobre vídeos o tomarlos como referencia directa. Se lleva a cabo gracias a una máquina llamada rotoscopio. Max Fleischer fue el pionero en esta técnica. Blancanieves y los siete enanitos (1937) es una película muy conocida que usó rotoscopia. En el siglo XXI este método sigue siendo aplicado en algunas producciones, por ejemplo, A Scanner Darkly (2006). Sin embargo, debido a su proceso laborioso y la evolución de las técnicas, se ha sustituido por algunas otras como el motion capture, que permite obtener resultados parecidos.
Motion capture o mocap
Es la interpretación de movimiento gracias a unos sensores colocados en el modelo para seguir los movimientos de la manera más real posible. El resultado final se visualiza como si de una película 3D se tratara. Se lleva a cabo poniéndole un traje especial al modelo y colocándole los sensores, estos deben ser al menos 30 para que haya resultados con cierta fluidez. Múltiples cámaras captan estos puntos y, posteriormente, cada uno se le asocia a una parte del cuerpo del personaje en 3D.
Sinbad: Beyond the Veil of Mists (2000) es una de las primeras producciones de animación creadas con el mocap. Las películas más destacadas que utilizaron este método son Monster House (2006), A Christmas Carol (2009) y The Polar Express (2004). Se utiliza también en videojuegos.
3D o CGI
La animación 3D o CGI (Computer Generated Imagery) es un método que se basa en simular figuras en tres dimensiones. Desde mediados del siglo XX se experimentaba con softwares y programas para llegar a resultados mínimamente parecidos a los que vemos hoy en día. Taron y el caldero mágico (1985) es una película que utilizó por primera vez animación por ordenador apoyada con animación tradicional. Quién engañó a Roger Rabbit (1988) fue uno de los primeros filmes que combinó animación 2D, 3D y efectos visuales (además de live action).
Y cómo no mencionar a Toy Story (1995), la primera película producida totalmente por ordenador, creada por Disney y Pixar. En 2001 se estrena El bosque animado, sentirás su magia, la primera película española animada en 3D.
Animación 2.5D
La combinación de las técnicas 2D y 3D se denomina animación híbrida. Se ha creado un término que conlleva la mezcla de la animación 3D y 2D: la animación 2.5D, en la que se perciben personajes, objetos y ambientes en dos dimensiones, pero creados mediante modelos 3D o viceversa. Un ejemplo de un método 2D, pero percibido como 3D es Klaus (2019), donde a partir del juego de luces, el sombreado da sensación de profundidad y dimensión. Otro ejemplo es Wolfwakers (2020), esta película recreó escenas en 2D, pero partiendo de modelos 3D.
Un novedoso método de animación digital creada por el conocido estudio Pixar es la simulación de carne neo-hookeana estable. Esta tecnología tiene como objetivo presentar la deformación de figuras como el cuerpo humano de la manera más verosímil posible con respecto a su elasticidad y movimiento.
Klaus (2019)
Artículo realizado por Gabriela Pérez